[Letture] Daredevil 4: Nella Tana del Coyote

Continua la lunga run di Mark Waid su Daredevil.
La serie continua a portare avanti una versione dicotomica del personaggio. La scrittura di Waid si sviluppa con una struttura e situazioni piuttosto classiche e puramente supereroistiche aumentando sempre più la rottura con le precedenti gestioni dell'eroe. Nonostante la forma sia classica i contenuti sono freschi e moderni. Interessante il fatto che il personaggio abbia creato una doppia maschera, non c'è solo la maschera rossa del diavolo ma anche lo stesso Matt Murdock, che si sforza di essere solare e scanzonato, diventa maschera di se stesso. Una maschera che, nel finale, viene a cadere quando la fiducia altrui si dimostra debole.
In tutto ciò l'apparato grafico della serie resta ad altissimi livelli. Chris Samnee é perfettamente in linea con i testi. Lo storytelling é pulito e solido. I disegni tracciono netti contrasti tra tra le zone di luce e i neri delle ombre. Riesce a passare in modo fluido dalle scene in luoghi chiusi alle esplosioni di dinamicità.
Disegnatore ospite é Mike Allred per un episodio flashback ancor più classico e dai toni kitch.
Il Daredevil di Waid si conferma una lettura divertente e solida. Completa in sé e dalla forte identità. Consigliato.

"la macelleria" di Bastien Vivès

Parliamone un po'.
Le storie d'amore non mi interessano. Non mi permetto che possano interessarmi.
Mi interessano le storie di supereroi, ad esempio. Questo mio interesse mi porta spesso a leggere cattive storie di supereroi.
In tutto questo c'è un errore. L'etichettare le storie con un genere mi porta ad essere traviato. Ci son solo due "generi" di storie: storie buone e storie cattive. Dietro ad una buona storia, tendenzialmente, ci sarà un buon autore.

Bastien Vivès è un buon autore. Tanto buono che mi ha fatto leggere, ed apprezzare, storie d'amore. La storia è sempre la stessa: un ragazzo incontra una ragazza, c'è l'avvicinamento, c'è il corteggiamento, c'è l'idillio, c'è la rottura e la fine. Tutto dipende da come viene raccontato. Vivès, attraverso le sue opere, sembra portare avanti un lavoro d'analisi. Fredda osservazione ne Il Gusto del Cloro, con la più totale mancanza di commento in Nei Miei Occhi.
Ne La Macelleria mantiene il tratto già visto in Nei Miei Occhi. Un essenziale disegno a pastello con pochi tratti d'inchiostro a definirlo. Niente sfondi. Lo sguardo si focalizza sulla figura umana. E' il disegno stesso a parlare. In quarta di copertina sono riprodotti quattro momenti di una scena di danza. Le "figurine" di Vivès sembrano danzare per tutto il tempo raccontato dal fumetto, sia che stiano giocando a ping pong, sia che siano ferme davanti ad uno specchio.
Si diceva che porta avanti lo stile visto in Nei Miei Occhi ma, al di là della pura tecnica di disegno, se ne differenzia particolarmente. Cambia la prospettiva, ora in terza persona. La storia diventa ancor più generica e universale. E' La Storia. Niente nomi. Niente narrazione. Solo alcuni momenti che ognuno può riconoscere. Ad intervallare questi momenti intermezzi allegorici in cui, personaggi visti lontanissimi da noi, recitano la loro parte. C'è tanto dolore, tanta pateticità.

Il fumetto diventa un trattato etologico. Solo che la specie osservata è quella umana.




L'edizione è pregevole. Un libricino che ricorda nella grafica un ricettario di cucina. Il tutto di un'assoluta essenzialità che valorizza il fumetto che vi è contenuto.

Mi vien spesso di fare un rapporto tra il tempo di lettura e il prezzo. Come se a tal costo debba corrispondere un determinato tempo di lettura. Altro ragionamento sbagliato. Non è il tempo ma la qualità a dover essere rapportata. Un'alta qualità porterà a riprendere in mano il volume più e più volte. A farlo ritornare alla mente. A compararlo e usarlo come metro di riferimento con altre opere. Insomma la qualità diventa anch'essa tempo su cui rimanere sull'opera. Perciò, anche se in dieci minuti si arriva alla fine de La Macelleria, posso dire che comunque ne vale il prezzo.



titolo: La Macelleria
autore: Bastien Vivès
edito da: Diàbolo Edizioni
formato: 15x20 cm, cartonato, col., 90 pag
           

Parlando di Lupi & Mipi

Lupi & Mipi nasce come webcomic dalla matita (credo digitale) di Lucrezia Benvenuti.

E già scrivendo questa semplice frase introduttiva mi rendo conto che avevo capito ben poco.

Faccio un passettino indietro. Questa non vuole essere una recensione. Semplicemente voglio parlare di un fumetto davvero bello e di cui, per un bel po' di tempo, ho aspettato la versione cartacea.
Lupi & Mipi nasce come webcomic dalla matita (credo digitale) di Lucrezia Benvenuti. Protagonisti della striscia sono una coppia di giovani innamorati, i Lupi e Mipi del titolo. Sono la perfetta commistione di intellettualità e scemosità. Hanno la consapevolezza della loro cultura e per questo si possono permettere di passare giornate a guardare Mazinga Z e a imitare Sailor Moon (anche se ho il sospetto che, sotto sotto, lei sia convinta di essere una guerriera sailor).

Durante l'edizione di Lucca Comics appena trascorsa, nello spazio della Self Area, ho avuto modo di conoscere i Lupi e Mipi della realtà: Lucrezia e Michele. Parlando con loro, facendomi raccontare delle loro disavventure di stampa, argomentando sulla preferenza di robottone,  passando su quanto siano belli i baffi, nella mia mente si è fissato un pensiero:
"Non è Lucrezia l'autrice del fumetto. Lo sono entrambi!" e leggere l'introduzione al volumetto me ne ha dato ragione. E' evidente che tutto quel che raccontano non parte dalla mente di uno, ne dalle matite dell'altra ma si sviluppa dalla loro relazione. E' frutto di un'interazione. Non si possono separare gli elementi senza che ne venga perso di senso.

Il volume raccoglie una selezione di strisce divise per argomento. Dopo la presentazione dei due si passa per: Aspettative Disattese, Lupinità, Fronte Alta, Gelosie, Stilnovo. Sono solo alcune storie della loro produzione scelte soprattutto a raccontarli e a raccontare la loro relazione.
Ovviamente ora si aspettano i prossimi volumi con il resto delle avventure e, soprattutto, si aspettano strisce nuove.
Recuperate Lupi & Mipi, andate a visitare il loro blog e lasciate qualche saluto anche su facebook.

sp

(e comunque è meglio Goldrake)

HICKSVILLE di Dylan Horrocks

"La storia ufficiale del fumetto è una storia di frustrazione. Di potenziale non realizzato, di artisti che non hanno mai avuto l'opportunità di realizzare il loro capolavoro, di storie che non vennero mai raccontate...Oppure vennero epurate da editor dalla mentalità ristretta...

...Un medium imprigionato in un ghetto e ignorato da innumerevoli persone che avrebbero potuto esaltarne le potenzialità..."

Di questo parla Hicksville. Di fumetto. Di cos'è il fumetto, di chi lo fa e chi lo vende, della sua storia. Un'opera stratificata. In cui il media fumetto viene, in modo originale, accostato alla cartografia. Una mappa delle relazioni tra le persone. Perchè anche di questo si parla. Di rapporti umani, della difficoltà di mantenerli e accettarli e di una definizione che forse non c'è.

E poi ci sono fumetti dentro il fumetto. E un fumetto di cui non si capisce nulla, forse.

Hicksville di Dylan Harrock è pubblicato in Italia da Black Velvet.

sp

Un paio d'occhiali per guardarsi meglio attorno

[Immagini rubate a Eleonora Antonioni in quanto non ho batterie nella fotocamera.]

La prima regola è "non giudicare un libro dalla copertina", regola estendibile a cd, dvd e, ovviamente, fumetti.
Io dico che ci si deve fare attirare dalle copertine. E' il primo livello di contatto che abbiamo con un'opera e può dire molto su di essa. Ovviamente c'è il rischio di sbagliarsi ma, in varie occasioni, mi è capitato di essere colpito da una copertina, tanto da farmi superare il fossato del "non so cos'è".

Posso dire che mi sia capitato questo con i lavori di Eleonora Antonioni. Da qualche tempo seguo il suo Tumblr: My thoughts in black and white. un diario giornaliero a fumetti, fiko no? Sempre più curioso di scoprire altri suoi lavori, dopo aver letto un'intervista per Teira e aver visto altre sue illustrazioni mi son deciso ad acquistare tre suoi fumetti.

Il Giorno che Scommisi la Testa col Diavolo…

E’ una storia breve uscita per l’etichetta di autoproduzioni Teiera.

Racconta di una ricerca. La protagonista, la stessa autrice del fumetto, ai tempi delle medie vede per caso uno spezzone di un film così strano e allo stesso tempo affascinante, tanto da restargli dentro per anni portandosi addosso il desiderio di rivederlo.

Il tratto è fresco e curato. Un bel bianco e nero pulito e personale. Ogni pagina è equilibrata nel raccontare ciò che deve, il lettore ne viene catturato ma tutto è essenziale e mai di troppo. La parte forte la fanno le scene evocative che raccontano, senza raccontare, il film in questione.

In tutto ciò emerge anche la passione per il cinema di Eleonora, attraverso piccoli rimandi visivi e alle riflessioni che possono emergere dai dialoghi presenti nella storia. Riflessioni che ogni appassionato avrà avuto riguardo alla propria arte prediletta.

Il Giorno che Scommisi la Testa col Diavolo… è stata una scoperta davvero piacevole, una sorpresa. Mi ha catturato un po’ come un film di un noioso pomeriggio di inattività che ti sorprende per la sua bellezza.

Vintage Ads + Estate

Questi due albetti autoprodotti da Eleonora Antonioni con la sua etichetta Self Publishing corrispondo al numero 0 e all’1 della collana Piccoli Diari.

Le copie, rigorosamente fatte a mano (potete trovare nel blog dell’autrice il procedimento di copertinamento con tanto di ferro da stiro!), hanno la bellezza dei manufatti artigianali e curati ad uno ad uno. Tanto che le copie sono numerate..

Come dice il nome stesso della collana, ogni albo riproduce un piccolo diario, un mini blocco d’esperienza.

Vintage Ads è una raccolta di illustrazioni che si rifanno alle pubblicità degli anni ’30, rifacendosi alla loro estetica, ormai così lontana ma ancora ammaliante. I toni lasciano il nero acceso per un “seppia” d’altri tempi e delle lievi sfumature calde. Il tratto di Eleonora riporta nel suo diarietto la bellezza di un’arte finalizzata alla pubblicità di prodotti di tutti i giorni, entrando in risonanza con l’artigianalità del prodotto che tengo in mano ho la sensazione che sia proprio quello il senso di queste figurine: riprodurre il gusto per le cose ben fatte.

Estate è una vero e proprio diario, un pomeriggio al bar. Il gusto della quotidianità. Il tutto attraverso gli occhi della giovane artista. Un particolare che mi ha colpito: nella seconda pagina, il gesto di toccarsi il collo con le dita della mano nel momento di ordinare. Un gesto banale ma così personale e naturale.

In questi albetti lascia il lettering digitale per una scrittura a mano che rende il tutto efficacemente più personale e “vero”.

Per saperne di più visitate: http://eleonora-antonioni.blogspot.com/
e qua il suo shop: http://eleonorart.bigcartel.com/

sp

Cambio di direzione

Ok, questa è spudorata pubblicità. Ma, se vi va, vi consiglio di andarvi a leggere il nuovo episodio di CROSSOVER!!! E magari lasciate un commento così mi faccio un'idea.

Volevo poi segnalarvi una recensione scritta da io per il sito Neilgaimania. Cos'è Successo al Cavaliere Oscuro?

E infine: son sempre più dubbioso sul senso di tenere in piedi questo blog...

sp

Due parole su un fumetto

Gli amici di Neilgaimania hanno accolto una mia recensione sul fumetto di cui mostro la copertina. Recensione che trovate cliccando qui.

Parlo de "Le vicende relativo al caso della scomparsa di Miss Finch" di Gaiman.

Se vi può interessare fateci un giro.

SP

Ponyo: Lettera aperta all'appassionato d'animazione

Quello che riporto qui di seguito è un articolo che ho trovato sul sito Comicus.

Mi sembrava la cosa migliore inserirlo data la richiesta che si fa.

é una lettera davvero appassionante. Io, Ponyo, non ho ancora avuto modo di vederlo ma la settimana prossima ce l'ho già in programma. E al cinema!

"Ponyo sulla scogliera", ultimo film di Hayao Miyazaki, acclamato dalla critica e dai fan, ha raccolto premi in tutti il mondo e pareri positivi anche sulla stampa italiana e sul Web. Nonostante ciò, e l'attesa che i fan avevano manifestato nei mesi precedenti all'uscita nei nostri cinema, il film nella prima settimana di programmazione ha registrato un sonoro flop, con soli 236.000 euro in 180 schermi, una distribuzione sulla quale la Lucky Red aveva puntato molto.
Viene da chiedersi se questo insuccesso sia imputabile a uno scarso interesse degli appassionati (improbabile), oppure alle "vie alternative" attraverso le quali essi hanno potuto già vedere il film... Questo esito però rischia di avere pesanti ripercussioni sul futuro delle opere Ghibli in Italia, che avrebbero potuto essere distribuite nei cinema in caso di buoni incassi di "Ponyo".
Gualtiero Cannarsi, dialoghista e direttore del doppiaggio italiano, ha scritto una lettera aperta agli amanti dell'animazione, in merito all'uscita di "Ponyo" nelle nostre sale, con la preghiera di diffonderla il più possibile su forum, siti, blog, facebook, ecc.

Ve lo riportiamo qui sotto integralmente.

«Caro amico,come probabilmente già saprai, questo fine settimana vede l'uscita nelle sale cinematografiche italiane del film 'Ponyo sulla Scogliera', ovvero la versione italiana di 'Gake no Ue no Ponyo', l'ultimo film dello Studio Ghibli firmato da Miyazaki Hayao.Più che parlare del valore della pellicola, cosa per cui ci saranno di certo tempo e spazi futuri, vorrei ora provare a farti riflettere su una questione ben più urgente.Ovvero: questa uscita cinematografica rappresenta un'occasione unica non solo per 'Miyazaki in Italia', non solo per lo 'Studio Ghibli in Italia', ma per la salute di tutto il settore dell'animazione giapponese in Italia.Perché?E' molto semplice. Sin dalla 'seconda invasione' di anime (e manga) nel nostro paese, ovvero quella avvenuta all'inizio degli anni novanta, non si è mai riusciti a fondare in Italia un reale zoccolo di cultura di settore. Questo significa che, dai novanta a oggi, i manga e gli anime hanno avuto un loro piccolo 'boom di nicchia', che ha provato a espandersi commercialmente, fallendo nel diventare mainstream, e ora siamo agli sgoccioli. Questo proprio perché non si è mai pensato, né si è mai riusciti, a fondare in Italia un'onesta cultura di settore. Quindi la nicchia è stata prosciugata, e ora è in secca.Ho personalmente vissuto tutte queste fasi sia da appassionato che da addetto ai lavori, perché c'ero personalmente, in prima linea, nel corso di tutta questa evoluzione. E non è nulla di originale. Così capita nei mercati di nicchia quando non fondando realmente nulla di subculturale, si cerca a un dato momento di spaccare la nicchia per mera ragione economica: non funziona.E' evidente che manga e anime non saranno mai moduli espressivi realmente di massa in Italia, e non credo lo si dovrebbe neppure auspicare. Tuttavia, senza fondare una solida base culturale anche di un settore 'medio piccolo', la sua nicchia muore, muore commercialmente perché non riesce né a mantenersi, né soprattutto a rinnovarsi.Tuttavia, fondare una cultura di settore è la cosa più difficile, perché richiede due elementi che difficilmente si associano: l'intento culturalizzante/artistico E un serio e oculato investimento di risorse economiche.Ed eccoci giunti al punto: perché l'uscita di ‘Ponyo sulla Scogliera’ rappresenta un'occasione reale, e perché altre uscite non erano altrettante occasioni?E' presto detto. Da un lato, un'uscita artisticamente impeccabile, ma economicamente misera, non muove nulla. Non vi è un investimento serio, e quindi neppure la visibilità mediatica reale del prodotto è tale da raggiungere nuovi fruitori. All'opposto, anche la diffusione commercialmente sovraesposta di un prodotto di gran visibilità, ma tuttavia non culturalmente rispettoso della sua eredità culturale originale, non crea nulla, perché non comunica nulla di vero al pubblico.Uscite cinematografiche come quelle di ‘Ken’ o ‘Lupin’, quindi, non significano nulla. Sono solo delle operazioni di 'passa alla cassa', fatte per spremere i residui nostalgici di personaggi già noti e amati. Lavori realizzati col minimo investimento possibile per massimizzare il guadagno al più possibile. Prendi i soldi e scappa. Taglia e brucia.Uscite invisibili apparse sull'onda di distribuzioni straniere, come quelle dei film di Kon Satoshi (‘Tokyo Godfathers’, ‘Paprika’) non significano evidentemente nulla.Il mercato dell'home-video è ormai pressoché esploso, vive di sola grande distribuzione 'squarciata', ovvero di merchandise a basso costo da edicola o cestone di centro commerciale.Questa è l'attuale situazione dell'animazione giapponese in Italia.In questa situazione, ‘Ponyo sulla Scogliera’, un film inedito, esce al cinema in Italia in duecento copie. Per intenderci, sono più copie di quelle di ‘The Millionaire’, il campione degli Oscar di quest'anno. Non solo. Esce in duecento copie con una localizzazione italiana fedele all'originale, dove il bambino protagonista, un bambino giapponese, viene chiamato 'Sosukechan', dove si parla -con naturalezza e normalità- di Dea Kannon e di Urashima Taro, perché è un film giapponese ambientato in Giappone. Ed è un film per bambini, ovvero i soggetti ideali per il fondamento di una nuova cultura.Oltre alle duecento copie, c'è la serietà di un distributore, la Lucky Red, che ha investito grandemente e intelligentemente su questo film. E' innanzitutto il terzo film Ghibli che distribuisce, sempre con serietà. Presentato a Venezia, con l'autore giunto in Italia. Ottenendo grande riscontro di critica, cosa che si è rispecchiata in tutta la stampa nazionale, dai giornali quotidiani, alle riviste di settore, ai telegiornali più in vista. Molte iniziative pubblicitarie sono state varate a latere dell'uscita del film: un concorso sul sito Lucky Red, uno sul sito Cartoon Network, uno sul sito di Nanoda.Molto, molto lavoro è stato profuso SIA dal punto di vista commerciale, SIA dal punto di vista artistico e culturale, intorno a ‘Ponyo sulla Scogliera’.Per questo è un'occasione unica.E per questo credo che proprio in questo momento, chi si vuole chiamare "un appassionato di animazione giapponese" dovrebbe saper premiare tanto sforzo e tanta cultura profusa dalla Lucky Red in questo settore che noi diciamo di amare.Il modo per farlo è, chiaramente, andare al cinema e portare amici e parenti al cinema, spingerli al cinema a vedere quello che è un magnifico film, il film dell'autore di animazione giapponese che -anche e soprattutto e innanzitutto in giapponese - è a giusto titolo ritenuto il simbolo e l'erede della tradizione animatoria nipponica.Soprattutto quando Lucky Red ha già dichiarato la sua intenzione a distribuire l'intero catalogo dei film di Miyazaki bei CINEMA italiani, e di distribuirli nella totale fedeltà artistica e culturale agli originali, questa è un'occasione irripetibile, venutasi a creare per una serie tanto lunga di coincidenze tanto fortuite che sarebbe persino noioso stare qui a elencarle.Ma è forse la rara, unica occasione di fondare una onesta, modesta ma VERA cultura dell'animazione giapponese in Italia, e spero solo di essere riuscito a comunicare questo obiettivo dato in tutta la sua poderosa e onesta realtà.Perché ho scritto questa lettera aperta non da addetto ai lavori, ma da appassionato di animazione giapponese, proprio come il suo ideale ricevente. Sono personalmente coinvolto nella realizzazione dell'edizione italiana di 'Ponyo sulla Scogliera', ma non sono un dipendente della Lucky Red. Non trarrò alcun beneficio economico dall'eventuale successo di 'Ponyo sulla Scogliera', e siccome per deontologia professionale io lavoro sempre alla paga minima sindacale del settore (doppiaggio), nulla cambierà nella mia sfera economica personale. Scrivere questo è per me umiliante (è sempre umiliante parlare di denaro quando si ha in mente l'arte), ma mi preme davvero che l'onestà di questo scritto sia palese anche al lettore più diffidente, quindi non esiste ora per me neppure nessuno orgoglio, nessuna dignità. C'è qualcosa di più importante di me, ed è esattamente l'occasione di cui ho parlato.Sono quindici e più anni che opero in questo settore, e da più di una decade lamento la mancanza di una cultura specifica di questo settore. Nessuno ha mai realmente investito nulla per crearla. Le fiere sono sempre state sterili o quasi. Tutti gli agenti del settore o erano chiusi in una nicchia, o speravano in una gallina dalle uova d'oro che non è mai esista, e tutti gli sforzi miei e di pochi altri appassionati professionali si sono sempre persi così, in questa ineluttabile mancanza.Siccome ora potrebbe, forse per la prima volta, essere diverso, io spero davvero che chi ama ritenersi un appassionato di animazione giapponese in Italia sappia sentire la semplice responsabilità anche solo della propria passione.Spero che questa lettera sia stata letta e non fraintesa.Spero che questa occasione non sfumi nella tipica abulia del sedicente appassionato italiano.

Amichevolmente,l'appassionato di animazione giapponese Gualtiero Cannarsi,noto ad alcuni anche come 'Shito'.Che poi significa apostolo».

DA ARKHAM ALLE STELLE- Omaggio a H.P. Lovecraft

Sul sito Neilgaimania.it è stata inserita la mia recensione sul volume, questo il link.






La Bottero Edizioni in collaborazione con Cagliostro E-Press presentano un volume che vuole omaggiare “l’uomo di Providence”: Howard Phillips Lovecraft. Un omaggio sentito e dovuto.

L’influenza di Lovecraft è palpabile nella narrativa fantastica contemporanea e, questo libro, ne è una prova lampante. Qui, infatti, autori affermati ed emergenti si misurano con la mitologia nata dalla sua fantasia e lo fanno cimentandosi attraverso più mezzi espressivi. Il libro è composto di quattro parti: fumetti, racconti, saggi e illustrazioni. Segno di quanto l’immaginario lovecraftiano abbia saputo superare i confini dei generi.

Degna di nota è la presenza di ben tre racconti scritti dal britannico Neil Gaiman. Qui vorrei soffermarmi sulle opere di quest ultimo.

Studio in Smeraldo (2004): il vincitore del premio Hugo come miglio racconto del 2004. Non aggiungo altro alla già esaustiva recensione presentata nel sito. L’unica nota che mi preme segnalare è l’ottima impaginazione del racconto che è presentata in quest’edizione. E’ simulata una stampa che ricorda l’epoca vittoria e le false inserzioni pubblicitarie sono accompagnate da illustrazioni a tema.

Soltanto di nuovo la fine del mondo (1994): qui finalmente stampato un vecchio racconto di Gaiman ancora inedito nel nostro paese. Il protagonista è un licantropo arrivato nella città d’Innsmouth. Tra una trasformazione e l’altra inizia a ricevere strane telefonate, avvisagli apocalittiche dal barista del luogo e letture poco rassicuranti delle carte dei tarocchi, fino ad ritrovarsi al centro di un sacrificio per il risveglio dei Grandi Antichi.

Shoggoth Riserva Speciale (1998): il terzo racconto di Gaiman, il più leggero ed ironico. Un ragazzo originario del Texas. In un deludente viaggio a piedi lungo la linea costiera britannica si imbatte in un villaggio di nome Innsmouth. All’interno di un pub trova la compagnia di due abitanti del posto che lo iniziano al gusto della birra Shoggoth e iniziano a discutere di Lovecraft. La compagnia dei due si rivela piacevole, aiutata anche dall’alcol, ma qualcosa di oscuro si intravede nel fondo del mare.

Gaiman si cimenta con la mitologia Lovecraftiana. Si rimbocca le maniche, immerge le mani nel pentolone brulicante di mostri di Providence, selezione le amenità che più gli aggradano, poi, prende il suo di pentolone ed il gioco è fatto. D’altro canto, quello di giocare con gli altri mondi, non è forse il suo gioco preferito?
E’ questa la sua maturità di scrittore. Non scimmiotta mai, non vuole emulare, non rincorre gli altri.
Ogni racconto che scrive è un suo racconto, una sua storia.
Questo, prima di tutto, ci dimostra quanto Gaiman conosca la materia, ne ha letto e soprattutto non solo come scrittore ma in primo luogo come un qualsiasi appassionato lettore. In secondo luogo è segno del rispetto che ha per l’opera altrui.
I suoi racconti non si limitano alla storia in se, approfondiscono, esaltano. Prendiamo il terzo racconto: “Shoggoth Riserva Speciale”. La storia non è nulla di nuovo, la scoperta di un villaggio che alla fine si rivela inesistente ma forse no, quante volte ne abbiamo letto o visto film sul tema? Ma se andiamo oltre lo strato superficiale cosa troviamo? Si parla della magia dei luoghi, la magia che si trova cercandola, o perdendovisi. Non a caso il racconto non è ambientato in America, bensì in Gran Bretagna. E poi cosa possiamo trovare? Arrivano questi strani personaggi che disquisiscono sulla dialettica di Lovecraft. Quindi: abbiamo un racconto, ambientato nel mondo di Lovecraft e in cui, i sui personaggi, parlano di Lovecraft stesso. Ed il gioco continua.
E’ un puzzle, quello che ci mette davanti agli occhi Gaiman, sta a noi, poi, vederne i singoli pezzi e ammirarne il paesaggio che ne risulta.

Infine due parole sul volume presentato.
Chi potrebbe esserne interessato?
L’appassionato lettore del creatore di Sandman in primis. Tre racconti non sono niente male.
Poi. L’appassionato di Lovecraft, con il quale volume potrà trovare nuovi spunti di riflessione, approfondimento e buon intrattenimento.
Anche il lettore che vuole avvicinarsi alla letteratura di Lovecraft potrà trovarvi tanto materiale da cui poter iniziare la sua ricerca.
Il mondo dell’editoria è vasto. Penso però sia davvero apprezzabile quando escono lavori di questo tipo e vanno incentivati acquistandoli, leggendoli, prestandoli agli amici e parlandone.


Titolo: Da ArKham alle Stelle: tributo a H.P. Lovecraft
A cura di: Gianfranco de Turris, Alessandro Bottero con la collaborazione di Cagliostro E-press)
Casa editrice: Bottero Edizioni
128 pagine, b\n, brosurato
prezzo: 15 euro

BONNY-ED (parlo di fumetti)

…e scrivo di getto.

C’è un web-comic che seguo da un po’. L’ho scoperto tramite il suo my-space per poi passare al suo blog. Sto parlando di Bonny-Ed.

E’ da un po’ che volevo scrivere di questo autore e del suo lavoro. Potete trovare i suoi aggiornamenti anche sotto l'etichetta "le mie letture on the web".
Come ho già avuto modo di dire, il mercato del fumetto è ormai saturo, è pressoché improbabile riuscire a seguire tutto, e di quel che si segue la maggior parte è paccottiglia (e lo scrive uno che continua a comprare l’Uomo Ra- pardon! Si chiama Spider- Man).
C’è comunque gente che crede nel fumetto. “Fumetto” inteso non come genere ma come mezzo.
Uno di questi è Ed.
Non lo conosco personalmente e non voglio rendermelo amico, continuo comunque a pensare che vada preso come punto di riferimento.
Il suo lavoro è deciso, forte, a tratti aggressivo.
Le strip, lineari e a prima vista semplici, hanno una grafica ben caratterizzata, efficace alla narrazione. I personaggi riconoscibili e ben costruiti.

Ed ha delle idee e sembra non si faccia alcun problema a schiaffarle in faccia a tutti, in oltre, per fare tutto ciò, ha deciso di usare le strip.
Solo per questo si merita la mia ammirazione.

La strip-comic è la più veccia forma di fumetto (e io credo sia Yellow Kid il primo fumetto della storia). E con ciò?
Con ciò voglio dire che, tralasciando i discorsi sull’elevatezza della strip come forma d’arte ( e se chi legge non capisce ciò tanto peggio per lui!), dopo più di un secolo di baloon forse è un tantino difficile qualcosa di fresco ed originale, per non dire innovativo. Little Nemo era del 1905! Krazy Kat degli anni ’20. I Peanuts dei ’60, tanto per dire. Cavolo! Pure Calvin & Hobbes è terminata da più di un decennio! Che ci si può inventare? ( e questa tirata in realtà serve solo a mostrare che qualcosa ho letto- è post-moderno).
Eppure Ed non è ripetitivo. Non vuole emulare nessuno. È ben conscio di quel che può fare.

Regolarmente ogni settimana sforna due strisce, al momento ha annunciato di intensificare il suo lavoro per presentarne tre. Questa dimostra tutta la sua dedizione. Ha un progetto e lo porta avanti, con cura e devozione.
Il suo blog brulica di tutte le sue idee, i suoi fumetti, i gadget.

Ed ti guarda in faccia e digrigna i denti…o è un sorriso?

SP

GIZMO di Andrea Gadaldi

“Chi sei tu all’interno della scacchiera?”
[Andrea Gadaldi – GIZMO]

Cos’è GIZMO?
Un fumetto. Un fumetto indipendente. Un fumetto indipendente dannatamente interessante.
Vi sembra poco?

Dalla quarta di copertina:
“Ti chiami Adam Gizmo e il tuo lavoro è trasferire merce. In un epoca in cui tutti si affidano al teletrasporto tu usi ancora un vecchio camion volante a propulsione atomica per non incappare nei controlli del regime. Questa volta dovrai consegnare un robot ad un collezionista. Un robot dimenticato che non dovrebbe più esistere.”
E per la trama siamo così apposto.

Autore di quest’opera è Andrea Gadaldi, un giovane fumettista che si sta facendo strada nel mondo del fumetto italiano.
Dovrebbero essere premiate iniziative di questo genere, perciò, contattatelo per acquistare una copia del suo Gizmo, lui sarà ben lieto di farvi partecipi della sua creazione.
Siete ancora dubbiosi? Alla seguente pagina potete scaricare il file in pdf, poi prendete la copia cartacea però! I fumetti vanno presi in mano, sfogliati, odorati.

Il mercato si sta saturando. Edicole, fumetterie e fiere son sempre più ricolme di prodotti sgargianti e ammalianti. Diventa sempre più difficile riuscire a leggere tutto quello che si vorrebbe, con il rischio di perdere alcune storie davvero interessanti. Gizmo è stato presentato a Lucca 2007 e devo ammettere di essermelo perso. Ho avuto la fortuna, però, di aver conosciuto Andrea Gadaldi nell’estete dell’anno scorso al 24 hic e alla fine a Gizmo ci son arrivato.
Perché merita di essere letto?
Risponderei semplicemente “perché si!”, anche se non penso sia una risposta esauriente.
Mi impegno. Gizmo è un fumetto interessante e, a parer mio, è la cosa più importante. Un lettore medio di fumetti rischia di sorbirsi una quantità assurda di storie tutte uguali e a cui manca un’anima che le renda vive. Ecco! Gizmo ha tutto ciò che manca a quelle storie. C’è del coraggio al suo interno e tanto, tanto spirito. La storia è una sci-fi dai toni psicologici. Sono solo 32 pagine, ma attraverso le energiche linee dei neri ed i retini possiamo intravedere un mondo che aspetta solo di essere esplorato: un regime totalitari, un mondo tecnologicamente avanzato ma in cui poter ancora viaggiare tra immense distese naturali, un viaggiatore dai toni romantici, robot-bomba e la maschera.
Certo non sto qui a dire che Gizmo sia un fumetto perfetto, sarei davvero troppo paraculo, alcune tavole cadono un po’ di tono, rompendo così la linearità della storia. Questo rende il tutto un qualcosa di ancora grezzo ma che affinandolo può creare qualcosa di grande.
Non vi sembra interessante tutto ciò?

Andrea Gadaldi pubblica anche il sito Alien Press e qui potete trovare un atipica introduzione al mondo di Gizmo.

In oltre, al seguente link, potete trovare la storia di Gadaldi del 24 hic.

Premiate il buon fumetto!

SP

Un Mondo in Bianco e Nero di Neil Gaiman (8 pagine di genialità)

Clark Kent: “Quello che odio di più è il sogno in cui sono un attore in una strana versione televisiva della mia vita.
Hai mai fatto un sogno così?”
Batman: “Capita a tutti, no?”
[Neil Gaiman- La Veglia]


Perché ho iniziato con una citazione da “la Veglia”? Un attimo e lo saprete.

Un po’ di dati:

Batman: BIANCO&NERO n.2 (del settembre ’96)
Edizioni Pley Press
48 pag, spillato, b\n

Sommario:
Copertina di Frank Miller

Prima copertina interna di Michael W. Kaluta

LEGGENDA
Scritto e illustrato da Walter Simon

IL CREATORE DI MOSTRI
Scritto da Jan Strnad
Illustrato da Richard Corben

GLI OCCHI DEI PICCOLI DEFUNTI
Scritto e illustrato da Kent Williams

I FIGLI DEL DIAVOLO
Scritto da Chuck Dixon
Illustrato da Jorge Zaffino

UN MONDO IN BIANCO E NERO
Scritto da Neil Gaiman
Illustrato da Simon Bisley

Seconda copertina interna di Tony Salmons

Batman: Bianco&Nero era una serie in cui, grossi calibri del mondo del fumetto, si avvicendavano misurandosi con l’uomo pipistrello attraverso storie brevi di sole otto pagine e (ovviamente) rigorosamente in bianco e nero.
Come direbbe Gaiman: ”questo è quello che vi serve sapere”.

Ma passiamo al motivo per cui state leggendo questo articolo: la storia di Neil Gaiman.
E’ davvero fondamentale la lettura di queste poche pagine a fumetti? Beh, la mia risposta è decisamente SI!
In queste 8 paginette l’autore britannico fa sfoggio di tutta la sua maestria narrativa. Ci propone una storia divertente ma che genialmente si rende disponibile ad una lettura a più livelli.
Batman non è altro che l’attore della propria vita, in senso letterale! Arriva agli studi e attende il suo turno in compagnia del suo collega, il Joker. I due conversano del loro lavoro, della condizione propria e altrui, della famiglia. Arriva il momento di girare e poi i due amici se ne vanno in mensa.
Questa la trama. Vi sembra poco? E’ solo perché non l’avete letta.
Tutto si trasforma in un allegoria. La prova schiacciante è la contrapposizione tra la prima e la seconda parte della storia. Nella prima i due attori provano le proprie battute, battute da fumetto, e ci si rende conto di quanto siano ridicole e insulse. Poi arriva il momento di girare e, come per magia, le stesse battute assumono vigore e importanza. Nel contesto della vignetta, della recitazione del personaggio, dell’espressione facciale, dell’atmosfera creata dal disegnatore tutto assume altro significato. E’ una sinergia che rende credibile quello che stiamo leggendo.
Gaiman ci parla del lavoro del fare i fumetti. Seziona la storia. Ci mostra i pezzi del puzzle. Ci fa vedere il disegno finale. Ma col cavolo che possiamo capire come ha fatto!

Non vorrei aver detto troppo rovinandovi la lettura, ma vi assicuro che non è così. “Un Mondo in Bianco e Nero” è un piccolo capolavoro, una gemma preziosa che ogni appassionato del papà di Sandman deve avere.
Vi accorgerete che ogni vignetta ha mille sfaccettature, ogni battuta una vera delizia da leggere, per non parlare del aver sfruttato a pieno le capacità del disegnatore.

Gaiman è un genio e, probabilmente con suo grande divertimento, ce l’ha dimostrato in sole otto pagine.
In conclusione, tornate a leggervi il dialogo tra Clark e Batman all’inizio di questa mia farneticazione, vi dice niente?